Romeo y Julieta, de un balcón francés al Teatro real

Escena de "Romeo y Julieta" en el Teatro Real. (Foto: Javier del Real/ Teatro Real)

Marzo de 2020. Confinado en su apartamento de la calle Voltaire en Angers, Thomas Jolly vive la ironía de su situación: recién nombrado director del Théâtre National d'Angers, dirige un teatro cerrado. Mira a los vecinos y piensa: "Tengo un balcón, quizá también pueda ser un escenario". Cuelga un pequeño cuartel anunciando la representación, y esa noche abre las cortinas  como si levantara el telón y recita el monólogo de Romeo mientras su pareja aparece como Julieta en la ventana superior. Hasta los repartidores se detienen a mirar . "Fue la representación más corta y barata de mi vida -recuerda-, pero toda Francia habló de ello. Salió en televisión por todas partes. Un par de semanas después, Alexander Neef me llamó y me dijo : "Acabo de verte hacer Romeo y Julieta en tu balcón. ¿Quieres hacerlo ahora en la Bastilla?".

Aquel salto del balcón a la Bastilla- está en el origen de esta producción  que podrá verse en el Teatro Real  del 27 de mayo al 13 de junio , con Carlo Rizzi al frente de la dirección musical  y un reparto formado  por Nadine Sierra, Javier Camarena , Ismael Jordi y Laurent Naouri.

¿Por qué , aún conociendo  el desenlace de la obra de Shakespeare, nos atrae esta historia  escrita hace cuatro siglos?", se pregunta Jolly  desde una sala del coliseo madrileño. Acaba de ver morir a Romeo durante uno de los ensayos, y sigue emocionado. "Todo el mundo conoce la trama. Sin embargo, seguimos volviendo a verla y a escucharla. No venimos para descubrir qué va a pasar , sino para cómo pasa". 

Romeo y Julieta  está construida  sobre contradicciones irreconciliables: boda/tumba, multitud/intimidad, juventud/muerte. El oxímoron atraviesa la obra: una Verona devastada por la enfermedad, la violencia y la fragilidad colectiva. "Romeo y Julieta son dos jóvenes que luchan  contra la familia, la sociedad, las normas... y también contra la peste. Verona no es solo una bella ciudad italiana: la muerte rodea a los personajes. Entendimos eso durante la Covid. Por eso la obra nos afecta tanto: todos hemos conocido situaciones imposibles".

No hablamos solo de un conflicto sentimental. Para el director del Teatro Real, Jon Matabosch. "el amor de Romeo y Julieta no colisiona contra una ley moral, sino contra una ley política y social". En la Verona del siglo XIV, güelfos y gibelinos se disputaban  el dominium mundi . ¿Por qué no podemos amarnos, aunque ya nos amemos?", se pregunta Jolly, artífice de las ceremonias  de apertura  y clausura de los Juegos Olímpicos de París 2024.

"Creo que mucha gente quiere vivir en paz, con respeto y consideración mutua, pero cada día aparece algo que lo impide. Eso mismo les ocurre a Romeo y Julieta: amar no basta . Siempre hay estructuras , normas  o conflictos para impedirlo".

Por eso, Romeo y Julieta bordan el romanticismo. "Los dúos son maravillosos, claro, pero no pueden entenderse aislados del resto. Toda la historia está atravesada por el odio entre las dos familias. La propia obra comienza con un coro que no habla de amor, sino de Montescos y Capuletos, enfrentados en Verona. Gounod no construye solamente una historia íntima también describe una violencia social que rodea constantemente a los personajes", puntualiza Rizzi. Hay momentos aparentemente ligeros que en realidad pueden resultar muy inquietantes. Cuando el padre de Julieta le anuncia que debe casarse con Paris, la música tiene algo de minueto, suena antigua y elegante. Y precisamente por eso resulta siniestra. No hace falta llenar la orquesta de trombones amenazantes para expresar violencia". Para el director italiano, juzgamos al compositor Charles Gounod desde Puccini o el verismo. "Pensamos que la muerte de Julieta debería sonar más violenta o trágica. Pero Gounod trabaja de otra manera. Cuando Julieta bebe el veneno utiliza armonías extrañas en los violonchelos divididos; cuando Romeo siente el efecto del veneno apenas hay tres acordes de trombones. Es algo contenido, casi minimalista. Y por eso resulta tan eficaz".(...)

 "Je veux vivre dans ce rêve" . "Esa aria  no es solo un número brillante, acabó enriqueciendo al personaje de Julieta: expresa un deseo feroz de vivir. Julieta quiere experimentar el amor, la amistad, el riesgo, la realidad. "Shakespeare ya estaba diciendo algo muy moderno: no hablamos de un hombre que seduce y una mujer que acepta pasivamente. Julieta actúa, decide y arriesga". Shakespeare habla de juventud, libertad y emancipación. Y esta danza también", explica Jolly. "No me interesa decirle al público que debe pensar. El arte no debería decir: 'Piensa esto'. Debería decir: 'Piensa'".

Camila Fernández Gutiérrez. El Cultural, 22-5-2026.

Leer y tejer se despide de sus lectores hasta la primera semana de agosto. Buenas vacaciones.

La pasión de los franceses por Dion

Céline Dion. (Getty Images) 

Un inesperado advenimiento el pasado 31 de marzo sacudió a Francia, un país poco propenso  a devociones superfluas por divinidades extranjeras. La canadiense Céline Dion salió de la cueva y anunció 10 conciertos en París después de un largo silencio, de la enfermedad, de un final descontado. Se desató la locura. En pocos días añadió seis actuaciones más. Y en escasas horas hubo nueve millones de peticiones en internet para hacerse con uno de los 500.000 tickets. Es decir, el 13% de los franceses -si se omite la cuota internacional- se borró las yemas de los dedos pulsando el F5 de su ordenador durante horas para hacerse con una entrada. Una expectación, escribía The Spectator solo comparable al revuelo que generó la dimisión del general Charles De Gaulle en 1969.

La pasión de los franceses por Dion, sin embargo, es proporcional  al desprecio que sigue generando su sonido entre determinados sectores culturales que siguen viéndola como la autora de música para hacer las tareas del domingo. Céline Dion, pese a haber vendido 260 millones de discos, "cristaliza una fractura en los gustos", escribía Le Monde invocando a Pierre Bourdieu y su teoría social sobre el gusto, desarrollada en La distinción. Criterio y bases sociales del gusto (1979) "¿Cómo se puede amar a Céline Dion? No nos gusta su música empalagosa, sus vestidos grandilocuentes e interminables. Los títulos de las canciones, por ejemplo, J'irai où tu iras (Iré donde tu vayas) no invitan a ir más allá. Las letras resultan pesadas: "Iré a buscar tu corazón si te lo llevas a otra parte, iré a buscar tu alma en el frío, en las llamas. Lanzaré hechizos sobre tí para que me ames aún", decía el mismo artículo con cierta sorna. La cuestión suscita muchos interrogantes en una sociedad acostumbrada  a un cierto elitismo cultural, pero entregada a la artista canadiense, convertida también en un símbolo de la comunidad gay. No hay pretensión ni apariencia. Es solo una identificación directa con la vida de la gente.

"Y con la suya", cree el periodista Jérémy  Parayre, autor de Céline Dion, 45 años de éxito álbum por álbum. Francia no fue conquistada tan fácilmente, pero cuando en 1995 publicó el álbum D'Eux, con Jean -Jacques Goldman, se estableció una relación íntima. Y luego compartió mucho su vida, los buenos momentos como los malos: sus problemas por ser madre, la muerte de su marido y su enfermedad, que generó mucha expectación. La gente pensaba que se había acabado todo, pero su regreso en los Juegos Olímpicos (París, 2024) fue el símbolo de un renacimiento. Estos conciertos se han convertido en algo de lo que mucha gente quiere participar. (...)

La simplicidad de Dion, también en la construcción de esas emociones básicas, remite a un cierto relajamiento  a los franceses, sumidos en un torbellino de noticias oscuras y una irremediable sensación de fin de ciclo. Emmanuel Marolle, jefe de cultura de Le Parisien, lo explicaba así en el semanario Télérama. Hace bien a la gente. Estamos en un período angustiante, con un contexto internacional complicado, donde el coste del vida es cada vez más alto y cuesta proyectarse hacia el futuro. Y aparece esa pequeña burbuja de aire, algo muy positivo. Dion son también canciones que todo el mundo conoce. Y además nos remite a los Juegos Olímpicos, cuando interpretó L'hymne à l'amour desde la Torre Eiffel: un momento suspendido en el tiempo en el que todos nos sentimos orgullosos de Francia".

Quizá por eso, uno de los primeros en celebrar su regreso en el verano olímpico fue el presidente Emmanuel Macron.

Daniel Verdú. El País, sábado 9 de mayo de 2026.

El señor Búho y el País de los muertos

La joven Marie vive espantada por su sombra, que díscola como la de Peter Pan, la ataca y muerde en cuanto la luz la ilumina, obligándola a moverse entre la oscuridad. El dibujo barroco y expresionista de David B. toma ese punto de partida para que su blanco y negro vuelva a explorar el simbolismo de estos contrastes, alimentados de referencias africanas y asiáticas hasta el horror vacui, para seguir los caminos de Dante y bajar a los infiernos acompañados de una particular criatura que vive entre el mundo de los vivos y los muertos, el señor Búho.

 De la mano de este particular Virgilio aficionado a la fiesta, Marie deberá enfrentarse a sus miedos para poder comprender las razones de la rebeldía de su sombra, entrando en un mundo de los muertos donde hace tiempo que la muerte no se deja ver, mientras las ciudades se acumulan y mutan sin sentido aunque el tiempo haya dejado de correr por sus calles. Fallecidos que muchas veces no saben que expiraron ya, que siguen repitiendo una y otra vez sus rutinas, como proyecciones deformadas de la realidad cotidiana de los vivos, pero también como potentes metáforas de ese existir por el que transitamos de forma automática fingiendo que comemos alimentos que no degustamos, que dormimos mientras el insomnio invade nuestra mente y los pensamientos nos alejan del mundo del sueño. El reino de los muertos que dibuja el creador de la magistral  Epiléptico no se aleja de lo que vemos a nuestro alrededor cada día.

Para Marie, como para la humanidad, enfrentarse a la muerte constituye la única forma de superar los miedos con los que convivimos, esa muerte que no infunde terror por sí misma, sino por cómo creemos que es, como ese Cerbero que deambula por la ciudad matando y aterrando a los sin vida, supuestamente a las órdenes de una parca que nadie ha visto nunca, a esa soledad inmensa que nos hace invisibles, condenándonos a una jaula de la que es imposible escapar, como la pobre Marie sabiendo que los difuntos no pueden ver a los vivos y los vivos no pueden ver a los fallecidos. Entre ese caos en constante mutación, Marie deberá encontrar  su camino venciendo a sus miedos sino comprendiéndolos asimilando a esos fantasmas que nos rodean sutilmente, que nos rozan cada día sin ser vistos, solo apenas percibidos por el vello de la piel y se transforman continuamente, como nuestros miedos que cambian y mutan para que los cerrojos de nuestras cárceles sigan bien cerrados.

 En viñetas que beben de la fuerza  de los grabados de Frans Masereel y Otto Nückel , el dibujante francés va componiendo  un relato simbólico en el límite entre la vigilia y los deseos, en esas grietas entre dos mundos  que conviven necesariamente, en el que la luz de nuestra mirada representa la única guía segura para comprender que nuestros terrores  son parte de nosotros y que aceptarlos  es parte de nuestro trayecto obligado entre uno y otro reino. Una obra extraordinaria llena de lecturas.  

Álvaro Pons y Noelia Ybarra. El País, sábado 18 de abril de 2026.

Antígona, sobre las ruinas de la democracia

Escena de Contra Antígona en el Teatre Lliure.  (Imagen: Marta Mas Girones)

Andrea Jiménez (Madrid, 1987) es un torbellino escénico. Ella crea, dirige, interpreta, improvisa y se abre en canal si es necesario. En 2024, ya nos sorprendió su particular visión de El rey Lear de Shakespeare, en la que entabla una conversación  entre el teatro clásico y su historia personal, entre su padre -un actor invitado  en cada ficción al que se enfrentaba por primera vez en el escenario- y ella misma -que hacía de Cordelia -Casting Lear ; así llamó a aquel experimento, se transformó  en todo un fenómeno teatral  que, como su autora, no se agota y a vueltas de Colombia, donde lo representó recientemente, ya ha sido programado  para participar  en la 80ª edición del Festival de Aviñón y en el Théâtre de la Ville de Paris.

Hasta entonces en su nueva y esperada propuesta, Contra Antígona, Jiménez se baja del escenario y vuelve a su lugar natural, como directora, con lo que probablemente será su proyecto más político. "Yo venía de hacer mi última obra, en la que por primera vez he trabajado con un clásico desde la profundidad, desde el lugar en que una obra puede dar respuestas a la vida real. Casi la he tratado como un oráculo. Y ahora tenía ganas de hacer un gesto colectivo, no tan íntimo. Quería pensarnos como sociedad o comunidad", cuenta la directora que aquí cambia  a Shakespeare por Sófocles y al improvisado padre por un coro ciudadano. "Antígona siempre ha sido el eje de mi relación con el teatro y con el mundo, es un mito que ha estado latiendo en mí desde la adolescencia, como un faro, como una especie  de gran ejemplo de valentía  y de ir hasta el final de algo. Es un espacio dialéctico de pensamiento sobre los conflictos esenciales del ser humano", subraya.

Bajo esa premisa, su primer impulso fue mirar el mito desde nuestro presente. "Lo que yo propuse en un principio  era hacer que comentaristas, filósofos e influencers de hoy  opinaran sobre la tragedia en directo". La historia de una mujer dispuesta a  enfrentarse a todo con todas las consecuencias para poder enterrar a su hermano, a expensas de la prohibición de darle sepultura que ha emitido el gobernador, Creonte. Es la libertad frente al poder, el individuo frente al Estado... Sin embargo, aquella idea fue desarrollándose hasta que comprendió que la esencia de la obra era más bien el coro.

"Hasta entonces, yo mismo lo había leído con Antígona como absoluta protagonista, pero ese era un relato que para mí se queda corto con lo que propone Sófocles y como mirada sobre el mundo. No estoy segura de que el camino sea esperar  a que nos salven los héroes o heroínas valientes, dotados de una fe inaccesible al resto. En cambio-prosigue-,  el lugar del coro es el lugar de la duda, de la pregunta, de la convivencia; el lugar de quedarse en el conflicto, de estar y dejarse atravesar por él. Y ese es el ejercicio  que propongo".

Como ya hiciera en Casting Lear, el factor  de la espontaneidad  y la improvisación está aquí presente  en esa idea de coro ciudadano que Jiménez sube a escena y que estará formado, en cada función, por quince espectadores que se ofrecen voluntarios. La premisa es clara. Si no se llega a ese número de quince personas, la obra no se hace. "Es un primer gesto de compromiso ciudadano, de ser parte de este acto  frágil que es el teatro y de sostenerlo. Eso ya es para mí un ejercicio de ciudadanía".

La idea es conseguir que esos voluntarios "vivan la experiencia como en el coro trágico, siendo el espectador ideal, el que amplía la emoción trágica al dejarse  atravesar por la historia". Para ello, Jiménez ha dispuesto de unas audioguías -tal y como ya utilizó en su anterior proyecto-, que les orientan  a partir de preguntas sobre la obra, instándoles  a tomar partido. "Se trata de evocar un tour turístico -señala-, porque nuestra primera relación con un clásico es museística. Entonces al principio la pieza es prácticamente  un tour guiado por la tragedia de Antígona que se va a transformando en una experiencia en tiempo real".

Esta es la parte  en la que ella como Victoria Szpunberg, con quien ya trabajo en Vulcano y Mal de coraçon, han intervenido más. "Hemos trabajado con la versión de Jeroni Rubio  que, siendo muy respetuoso con Sófocles, acerca un poco la tragedia. Y eso es una grande parte del texto. Lo demás tiene que ver con este tour guiado. Con esta relación con el coro y cómo abrir las preguntas que nos hacemos".

El título, Contra Antígona, es un "canto contra la polarización", dice su creadora, que, además reflexiona sobre la pertinencia o no de volver al mito: "Estamos en un momento de parálisis. Se están derrumbando nuestras estructuras éticas y morales como europeos mientras vemos suceder anta nosotros la tragedia  en directo retransmitida por redes. Y sentimos esa impotencia. Para mí este lugar de parálisis y de desconcierto es el que atraviesa el coro de la tragedia". 

¿Y cuál es la solución?, plantea. "Yo no la tengo. Solo puedo ofrecer un espacio donde intentemos imaginar una salida. No ser una masa  uniforme  que unidireccionalmente toma una solución perfecta, sino ser un coro hecho de muchos unos que aparecen ante sí. Es volver a conquistar  esa pluralidad   de los únicos  que decía Hannah Arendt y redescubrir la felicidad pública". En este caso,  es la posibilidad de hacer una obra de teatro juntos. Pero también es la acción colectiva de pensar, estar y posicionarse  ante unos hechos", reflexiona la directora que, tras Contra Antígona,  no volverá a estrenar  nada en dos años.

Marta Alouti. El Cultural, 15-5-2026.

Adiós al artista británico que empleó el color para ensalzar el buen placer de la vida

D. Hockney ante uno de sus paisajes de su serie "La llegada de la primavera" / D.S.

Desde sus años de formación londinense en el Royal College of Art, David Hockney (Braford, Yorksire del Oeste,1937- Londres, 2026) hizo siempre lo que quiso. Se plantó en la gran contemporaneidad  del arte del siglo XX apostando pimpante por la figuración, convirtiéndose en uno de los pilares del pop art y dejando que la abstracción se colase en sus obras apenas como un leve matiz de desequilibrio -menos perturbador que en el trabajo de  otros, como Lucian Freud y, sobre todo Francis Bacon-. Lo suyo fue una apuesta un tanto naif, y muy arriesgada porque representó  una constante en toda su trayectoria, una larga carrera que se solapó con lo que algunos tomaron como el tiempo de la muerte de la pintura, como si esta hubiese llegado a un callejón sin salida. Sí, como una especie de vía ciega que solo los pintores alemanes Gerog Baselitz -fallecido el pasado 30 de abril-Anselm Kiefer fuesen capaces de sortear , aunque, en su caso aferrados  al neoexpresionismo en una querencia más abstracta. Él, en cambio, se empeñó en trazar su propio camino, que entrañaba una mirada lúdica de cierta irónica ingenuidad, en el que la luz y el color ensalzan el buen placer de la vida moderna. Quizá la sinestesia con que nació - un fenómeno neurológico en el que la estimulación de un sentido halla respuesta en otro distinto, y que en su caso le hacía percibir colores como réplica a sonidos musicales- contribuyó de alguna manera a esa explosión cromática.

En su celebración -y su canto de soles y piscinas- tuvo mucho que ver su pasión por California, no ajena a la procura de la libertad sexual. Durante varias etapas de su vida  -la primera, ya a mediados de los años sesenta, en Los Ángeles- fijó allí su residencia, muy lejos de los brumosos cielos de su gris Yorkshire natal -"la penumbra gótica del norte de Inglaterra", bromeaba-. Moviéndose cómodamente en ese hedonismo muelle, dejó que su condición gay aflorase en sus cuadros, esos cuerpos masculinos desnudos, esos vibrantes acrílicos-, aunque también dejó traslucir  el dolor de la pérdida cuando la muerte de un ser querido golpeó su existencia.

Se convirtió en todo un personaje, un icono del siglo XX y parte del XXI (...) Hockney fue un inquieto artista, además, en el uso de materiales  y medios de expresión, siempre atento a las nuevas tecnologías y a los desarrollos digitales. Incluso dedicó mucho tiempo de investigación  al estudio de cómo los grandes maestros -Velázquez, Caravaggio, Holbein o Leonardo, entre otros- utilizaron  la óptica, los espejos y las lentes para perfeccionar su representación del mundo. Unas indagaciones y conclusiones que plasmó en su ensayo El conocimiento secreto publicado en España  por el sello Destino). Y siendo ya un octogenario, no dudó en utilizar la tableta iPad  para pintar. Así puede comprobarse en el maravilloso libro No se puede detener la primavera (Siruela), en el recoge sus apuntes sobre la mansedumbre de la naturaleza en la llegada de la primavera -y la calidez del devenir de las estaciones-en La Grande Cour, una centenaria casa de campo en Normandía en la que montó temporalmente su estudio y pasó el confinamiento  del covid-19.

Otro de los apartados cruciales de su obra son los retratos, a los que dedicó gran atención. Esta faceta pudo disfrutarse  en el 2017 en una exposición que acogió el museo Guggenheim de Bilbao y que reunió  más de ochenta lienzos en que -apenas unos años antes - pintó en su estudio angelino a familiares, amigos y conocidos, como colaboradores, artistas, curadores, galeristas, en situación  de absoluta relajación y confianza, sin glamur alguno.

Hockney falleció este jueves en Londres. Queda su alegría.

Héctor J.  Porto. La voz de Galicia, sábado 13 de junio de 2026.

"Un mundo frágil y maravilloso"

En la última década y media se han estrenado  no pocas películas procedentes de países árabes en conflicto  que, marcadas por la religión y la política, recogían las  (des)esperanzas, las iras y el devenir más cotidiano  de sus ciudadanos a pie. Sin embargo con la obra del iraní Asghar Farhadí como paradigma, no han sido tantos  los títulos que han abordado  los vuelcos del corazón  y del estómago de esas gentes  desde una vertiente  en la que la religión y la política quedaran , sino al margen, porque es imposible, si al menos en barbecho. 

Así es la excelente Un mundo frágil y maravilloso, del libanés Cyril Aris. Un relato con evidentes toques biográficos que empieza con un tiro- En apenas un minuto, con imágenes de enorme potencia visual y sonora, Aris asienta su historia de amor a través del tiempo en el instante en que sus protagonistas salen del vientre de sus madres. Nacen con un minuto de diferencia, en el mismo hospital, pero apenas unos segundos después una bomba  explota en el centro. Las cabecitas de los bebé arropados por las enfermeras que corren por los pasillos, se cruzan entre la destrucción  y el pánico. De este modo, Aris arrebata desde el inicio.

La violencia y la penosa situación del Líbano están presentes a lo largo de la película, pero siempre por debajo, nunca se verbaliza. A lo largo de tres décadas y tres tiempos que se narran alternativamente, esos bebés se reencontrarán (y se querrán) en el colegio con unos nueve años, al borde de la treintena y, luego, ya casados y con hijos. Y un elemento clave: la necesidad de ella -descreída y cínica, consultora, abogada y banquera con éxito- de salir de un país que la está destruyendo; y la de él -simpático y adulador, cocinero con restaurante propio- de seguir luchando  en su tierra por una sociedad mejor, desde su pequeño reducto  familiar, social y laboral.

Un mundo frágil y maravilloso, con un exultante sentido del humor (y del amor), presenta un Beirut laico, culto y humanista, sin velos ni rezos, moderno como cualquier ciudad occidental. Y dos personas que se aman a rabiar.

Javier Ocaña. El país, viernes 22 de mayo de 2026.  

Régimen único contra la burocracia

La UE lanza la hoja de ruta para que el plan de desburocratización "Una Europa, un mercado" sea una realidad para el próximo 2027. Cuando se habla de la UE, se suele abordar su larga burocracia, informes circulando por despachos de Bruselas o conflictos interinstitucionales que atrasan meses o años decisiones importantes. El cliché, a veces, es verdadero, especialmente en un mundo cada vez más rápido y en el que otras potencias aplican rápidamente medidas que afectan a todo el mundo. 

Los informes de Enrico Letta y Mario Draghi sobre el mercado único y la competitividad, respectivamente, son las Tablas de la Ley con las que la Comisión Europea vaga por el desierto global  de guerra e incertezas sobre el papel de Europa en el mundo. Por ello, la UE ha propuesto una ambiciosa agenda para simplificar  y desregular la Unión: una Europa, un Mercado. Este "mercado único para regularlos a todos", parafraseando a Tolkien , recibió el visto bueno de los Estados miembros el pasado marzo. Su impulso formal llegó en el Consejo Europeo informal de abril, celebrado en Chipre donde la Comisión, el Parlamento y el Consejo acordaron una hoja de ruta para hacerlo realidad a finales del 2027, "Es la prioridad absoluta de la Comisión y, con este plan tenemos el camino despejado", explico la presidenta de la Comisión, Ursula von der Leyen.

¿Qué busca una Europa, un Mercado? Según explica el Ejecutivo comunitario, se quiere fortalecer la competitividad, resiliencia y autonomía estratégica de la UE  a través de cinco áreas: avanzar en el mercado único, simplificación legislativa y burocrática, autonomía y accesibilidad energética, renovación industrial y movilidad de inversiones. Estas áreas engloban varias propuestas  estrella del mandato de Von der Leeyen hasta 2029. 

Empresas Paneuropeas. Un ejemplo es EU Inc., el régimen número 28 para crear empresas paneuropeas de forma digital simple y económica. La intención del Ejecutivo es que entre en vigor en el 2027 y se apoyará en otros planes como la Cartera de Empresas Europeas, una plataforma para presentar y compartir documentación entre todas las administraciones; la promoción del talento comunitario; la Unión de Ahorros e Inversiones. Habrá un décimo paquete para la IA y se han solicitado otros en áreas determinadas; el eurodiputado del PP Francisco Millán Mon ha reclamado uno para la política pesquera similar  al presentado  para la PAC. También se espera una revisión en profundidad del acervo comunitario para eliminar duplicidades e inconsistencias.

La industria tiene otro lugar importante en estas reformas. Ante su declive, se está perfilando un mapa de debilidades estratégicas. También se prepara un paquete de soberanía tecnológica, salvaguardas para introducir productos en el mercado único y un sistema de preferencias europeas. Esto no se puede lograr sin la autonomía energética, donde aparte de promover la transición energética y las redes europeas, se revisará el comercio  de emisión de carbono. El Gobierno español ha mostrado su oposición  a cualquier disminución  en los objetivos de descarbonización.

El plan cuenta con un apoyo generalizado, especialmente  de gobiernos y poderes económicos críticos con el marco legislativo rígido. Por ello, un temor de sus detractores es que se desprotejan objetivos sociales, laborales o climáticos a favor de los números macro. Tampoco plantea reformas en el procedimiento legislativo ordinario o sobre la unanimidad  entre Estados miembros para tomar decisiones estratégicas. Habrá que ver si la simplificación llega allí  o se perderá entre compromisos y voluntades.

Jose G. Santalla . La Voz de Galicia. Mercados. Domingo 3 de de mayo de 2026.

Una estrella roja en el cielo de la 'banlieue' parisina

Varios jugadores del Red Star en su estadio con su afición.
(Sopa images/Lightroccket via Gettyimages)

Los vendedores ambulantes y los puestecitos del mercado de las pulgas empiezan a recogerse a media tarde del sábado. En las callejuelas huele a cordero asado y en las terrazas se mezclan  los autóctonos del barrio, obreros jubilados o inmigrantes de tercera generación, con grupos de jóvenes con aspecto hípster y ropa cara y cervezas IPA. Saint-Ouen es la primera frontera  entre ese país haussmaniano e imposible ya para determinados presupuestos familiares y su famosa banlieue, tristemente conocida hasta no hace tanto por las revueltas juveniles, episodios islamistas  y grandes bloques de hormigón. Pero es también el resultado  de la inversión en los pasados Juegos Olímpicos, el símbolo de la gentrificación de la periferia parisina y el hogar del club más antiguo y carismático de la ciudad: el Red Star.

A diez kilómetros al noreste del Parque de los Príncipes, encajonado entre un gran edificio de protección oficial a cuyas ventanas se asoman sus habitantes los días de partido, y un complejo de modernas oficinas acristaladas, se alza un templo para miles de aficionados, pero también una metáfora  de la transformación  de este viejo suburbio obrero.

El Stade Bauer es el lugar del club de fútbol más antiguo de la ciudad, fundado en 1897 por Jules Rimet, padre de la Copa del Mundo. Una institución contracultural en el fútbol moderno, inclusiva, antifascista y contraria a la deriva del negocio global de este deporte. "Esto es otra cosa. Es verdad que últimamente  las gradas se han llenado  de muchos bo-bos (término francés que sintetiza las palabras bohemio-burgués ), pero sigue manteniendo una entidad propia, alejada de otros clubes", explica Jean-François, socio de un club convertido en una bandera de la izquierda.

El Red Star, más allá de la evocación comunista que sugiere su escudo y los cánticos de su grada, debe su nombre al logotipo  de una naviera. Sus mejores años deportivos terminaron con la II Guerra Mundial, con cuatro copas francesas en el periodo de entreguerras  y una última a principios de los cuarenta. Fue entonces cuando Rino della Negra, rapidísimo delantero del equipo, pasó a formar parte del grupo de la Resistencia Manouchain. Detenido por los nazis, fue procesado sumariamente  a comienzos de 1944 y fusilado  en la fortaleza de Mont-Valérin el 21 de febrero de ese año junto a 23 compañeros  de lucha, cuatro de ellos italianos. Hoy está enterrado en el cementerio de Ivry-sur-Seine, pero la grada donde se colocan los ultras cada semana lleva su nombre.

El club emparentado con otros equipos de barrio con inclinaciones de izquierda como el Rayo Vallecano en Madrid o el Sankt Pauli  en Hamburgo , se jugaba  hace dos semanas  el ascenso de la Ligue 1 contra el Montpellier. También  la posibilidad de ver en la misma competición a tres equipos de París , mucho más jóvenes  que el club de Saint-Ouen: el todopoderoso PSG, el Paris FC, nuevo juguete de la familia Arnault (propietarios del grupo LVMH) y el antisistema Red Star. 

El estadio Bauer no tenía ni un asiento libre  ese 9 de mayo , el club está ampliando las gradas para tener más capcidad  desde que lo compró un polémico fondo de inversión  que se dedico a especular  con el suelo del feudo. "Flis, arbitre ou militaire, qu'est qu'on ne ferait pas par un salaire", se escucha en la grada ultra (Poli, árbitro militar, no todo vale  para conseguir un salario"). El bar despacha bocadillos de merguez halal y cerveza IPA. Los niños juegan en las bocas del estadio. No hay insultos , racismo, homofobia, violencia. "Por no haber , a veces no hay gritos de ánimo", lamenta un aficionado  con un tono sardónico. "Hay que gritar más, caramba", insiste.

El clima de concordia es total, en el minuto 80 se respira ya alivio. Pero el equipo se despista  y el Montpellier empata a tres minutos  del final y obliga  a jugar una eliminatoria de play-off al Red Star contra el Rodez Aveyron, pero que tampoco superará algunos día después. Otro año en segunda. Otro sin mezclarse con la élite, los derechos de televisión y los enormes ingresos por publicidad. Quien sabe, quizá eso sea una bendición.

Daniel Verdú. El País, sábado 23 de mayo de 2026. 

Las bodas de Fígaro más coloristas

Llega al Teatro del Liceu (14 representaciones del 4 al 21 de junio) una nueva producción de esa obra maestra, una las óperas más perfectas de la historia que es Las bodas de Figaro de Mozart, estrenada en 1786. Todo funciona en ella como un reloj... viviente, en el que no hay nada mecánico. La narración equilibrada, bien ensamblada, fluida -que discurre a lo largo de cuatro actos de parecida duración-, en la que brillan tanto la melodía como los factores armónicos y constructivos, la certera pintura de personajes, finamente caracterizados, el humor directo y el erotismo que todo lo perfuma, hacen de esta ópera un prodigio que ha de ser analizado rigurosamente y expuesto con refinamiento y, sobre todo, naturalidad, sin énfasis, sin gangas de una falsa expresividad, sin retóricas. Ha de servir las premisas del arte de canto del propio Mozart.

No es fácil llevar a escena el complejo mundo que habita entre los bien definidos personajes que se mueven entre bambalinas. Lo va a intentar Marta Pazos, una regidora que ha mostrado en los últimos años  una gran personalidad  y un raro talento para describir y definir  caracteres y situaciones. Para ella, explica a El Cultural, Le nozze funciona "como un auténtico parque de atracciones escénico, donde conviven el enredo, el deseo, la comedia y también una tensión social muy clara. Me interesa precisamente esa mezcla: lo festivo, lo amoroso, lo político".

Su mirada se sitúa  en la época de Beaumarchais, autor del texto que dio lugar al libreto de Da Ponte, el siglo XVIII, "aunque" -nos dice Pazos- "un siglo XVIII imaginado, filtrado por la mirada contemporánea. He construido un universo versallesco y muy pictórico, alejado de la reconstrucción histórica. No me interesa tanto reproducir una época como trabajar con su esencia. En ese sentido, la escenografía funciona como metáfora visual: Los diferentes pisos del castillo del Conde de Almaviva representan la estructura social, con sus jerarquías y tensiones. Es un espacio simbólico donde todo sucede".

Interesante es su mirada sobre los personajes: cada uno es un universo singular. Hay un eje de mujeres que habitan una red en la que están unidas. He trabajado con la idea de que todas ellas son como ingredientes dentro de una misma receta escénica: cada una tiene un sabor (dulce, picante, amargo, intenso...), una textura , una energía propia y actúan en una acción en la que todo concurre al mismo tiempo". "Es -continúa- una ópera bufa, divertida, vertiginosa, pero también lleva a los personajes al límite emocional" y para unificar y diferenciar al tiempo, Pazos maneja el color como algo que centra este rico menú: "Es un elemento estructural, no decorativo"

Arturo Reverter. El Cultural, 29-5-2026.

"Psicopompo", Amélie Nothomb

En el momento en que una se acerca a las páginas de cualquiera de las novelas de Amélie Nothomb sabe, me atrevería a decir sin temor a equivocarme, que entra en algo que podríamos etiquetar "el universo Nothomb". La mayoría anda rozando el límite entra ficción y la autoficción, un género denostado, y con razón por la saturación a la que hemos llegado, pero cuyo manejo en el caso de Nothomb lo hace excepcional y lo mejora en cada uno de sus libros.

Así pues Psicopompo, con la estupenda traducción de Sergi Pàmies para todos los textos de la belga, no defrauda: su hermana, sus traumas, la anorexia, su infancia cosmopolita como hija de diplomático, el nacimiento de su vocación literaria, la contención con la que narra la violación que sufre con 12 años, sus filias, sus fobias, la relación con su padre y el duelo tras su muerte...

Dicho así, puede parecer y no lo es, que leemos una y otra vez el mismo libro, es justo todo lo contrario. En cada uno de ellos Nothomb parte de un ¿original? sujeto, que es el que sirve para acompañarnos en la narración y que se entrelaza con algunas de sus vivencias. En este caso los pájaros, símbolo de libertad y de tránsito entre el mundo de los muertos y el de los vivos, hacen que su escritura transite  entre el cielo y la tierra, o incluso que deduzcamos que los pájaros son una metáfora de ella misma que sobrevolando  nos hace vislumbrar toda su vida, porque para ella escribir es volar. Igual que nos hace transitar  entre su novela Primera sangre también centrada en la juventud de su padre, y esta, en la que habla del duelo tras su muerte. De ahí el título de Psicopompo, nombre que podría recibir Hermes, el mensajero de pies alados que "acompañaba a las alamas muertas en su viaje".

El duelo y la memoria, incluida la violación que sufrió de niña, como digo, nos llegan en Psicopompo a través de su pasión por las aves. Al mismo tiempo que, conforme pasamos las páginas  y rememoramos con ella varios episodios vitales en los que estuvo a punto de derrumbarse. Es entonces cuando tenemos la sensación de encontrarnos a medio camino entre la confesión y la reflexión sobre las virtudes esenciales de la escritura, que ha sido el único puntal al que ha podido agarrarse para mantenerse en pie. "El privilegio absoluto es escribir. No existe gracia más elevada. A veces la publicación no es más que un añadido, a menudo un menoscabo del placer inicial. Obtenerla a costa de un esfuerzo considerable , de una angustia  enfermiza, de una dolorosa obsesión no cambia nada...Cuando Rilke dice que la escritura debe ser una cuestión de vida o muerte, yo no lo interpreto como metáfora"

Así pues Psicopompo nos acerca, a diferencia de otros títulos, no solo a su universo completo, lo que hace de él uno de sus libros más personales y valientes, sino también que a veces para superar el duelo, una debe ser capaz  de atravesar la muerte  y regresar,  precisamente lo que echa de menos Rosalía  en la letra de Sexo, violencia y llantas, porque nunca es demasiado tarde para hablar con alguien que se ha ido.

Carmen Domingo. El País, Babelia, 29 de mayo de 2026.

En el momento en que una se acerca a las páginas de cualquiera de las novelas  de Amélie Nothomb sabe, me atrevería a decir sin temor a equivocarme, que entra en algo que podríamos etiquetar "el universo Nothomb". La mayoría anda rozando el límite entra ficción y la autoficción, un género denostado, y con razón por la saturación  a la que hemos llegado, pero cuyo manejo en el caso de Nothomb lo hace excepcional y lo mejora en cada uno de sus libros.

"Sufro, luego existo". ¿La era del victimismo?

Nuestras sociedades parecen definirse cada vez más, si no por una proliferación de malaestares, por una inflación discursiva acerca de su omnipresencia, como si nuestro tiempo solo acertara ya a presentarse en los términos de un "no"parasitario, impotente y autorreferencial respecto a sus diferentes crisis (institucional, ecológica, sexual, política, cultural). Nunca se ha hablado tanto  de la legitimidad del dolor y el agravio como últimas palabras, pero tampoco, quizá con menos lucidez y sentido crítico. Esta individualización de la experiencia no pocas veces va de la mano de dinámicas explicativas negacionistas o conspiranoicas y con dispositivos mediáticos  interesados  en avivar la llama de las "pasiones tristes".

Ahora bien, ¿este diagnóstico es fidedigno? ¿Podemos afirmar que las batallas de nuestro tiempo solo están entrampadas  en ese victimismo generalizado?¿Hasta qué punto, en este mórbido umbral civilizatorio, la crítica del resentimiento de los otros no constituye una estratagema  para expresar otro resentimiento  nostálgico  por viejos órdenes culturales privilegiados hoy perdidos?

Pascal Bruckner (París, 1948) acepta el desafío de clarificar el problema. Como heredero de la tradición del moralismo francés, acude a la cita con un panfleto inteligente, no pocas veces mordaz, que debe discutirse con sentido polémico, pero que también deja entrever las limitaciones de una posición que carece de una cartografía histórica más pertrechada de sentido sociológico y crítico. Sufro, luego existo es un ensayo vibrante, en algunos pasajes brillantemente malicioso contra una civilización que supuestamente ha elevado su propia desgracia  no solo como moneda privilegiada de valor moral, sino como una suerte de sentido común  totalitario.

Adoptando el gesto del ilustrado escéptico pero provocador, Bruckner disecciona el nuevo culto al sufrimiento, que en las sociedades occidentales habría, según su lectura, pasado de ser un fenómeno marginal a convertirse  en la gramática política dominante de nuestro presente.

Ciertamente, no se trata de un diagnóstico novedoso y toda la crítica conservadora de la modernidad desde Max Scheler a Ortega y Gasset ha extraído de ahí argumentos poderosos:¿cómo dar sentido al dolor cuando este deja de ser necesario -un destino, un límite- y puede ser superado como contingencia en el futuro mediante las ideologías del progreso?

Conocedor de esta vieja historia, Bruckner prefiere proponer, desde su talento liberal, una respuesta basada en el heroísmo ético frente a una sociedad ensimismada en sus más mínimos sufrimientos y, por tanto, resistente a las obligaciones maduras de la libertad. Es aquí donde la confrontación  con las políticas de la identidad abriría una interesante discusión, por ejemplo, con las posiciones feministas de Wendy Brown en Estados del agravio, donde el cuestionamiento de este victimismo se enriquece con otros argumentos. Pero los dardos de Bruckner también apuntan a la "democracia terapéutica", ese discurso cercano a la autoayuda que trata cualquier resistencia del principio de realidad como una ofensa y convierte la frustración en un derecho. 

Llegado al final, el lector se puede preguntar si el enfoque de Bruckner no termina exagerando el papel omnipresente  de la víctima para no poner el foco  en el polemista que realiza el diagnóstico  bajo ciertos prejuicios y privilegios. Pero, bajo este primer plano, el ensayo también despliega  una reflexión  filosófica que hoy resulta urgente más allá de los posicionamientos  de derecha e izquierda: ¿qué significa hacer del sufrimiento la base del yo? ¿No es el dolor parte de toda existencia, una experiencia que hay que afrontar más que gestionar de forma oportunista? "Hacer algo con lo que los otros han hecho de nosotros". Esta famosa frase de Sartre, recuperada por Bruckner, no sería un mal principio.

 Germán Cano. El Cultural, 22-5-2026.

Aurelia Muñoz, por el aire y bajo el mar

Vista de la exposición Aurelia Muñoz. Entes. en el Museo Reina Sofía. 2026

Aurelia Muñoz . Entes. Museo Reina Sofía. Madrid. Comisarios: Manuel Cirauqui, Rosa Lleó y Silvia Ventosa. Hasta el 7 de septiembre.

No consta, en las fuentes públicas consultadas, que Aurelia Muñoz y Maruja Mallo llegaran a conocerse, aunque sus trayectorias se solaparon en el tiempo y hoy ambas aparecen vinculadas en la relectura museística del canon artístico español. Un canon que el Museo Reina Sofía y el MACBA de Barcelona se están afanando en reescribir. Pero imagínese que este encuentro hubiera sucedido. Probablemente conocieran la existencia la una de la otra e incluso se hubieran inspirado en sus colores o trazos. Ambas dominaban la técnica del dibujo y esta exposición del Reina Sofía nos lo deja claro al mostrar, del archivo personal de Muñoz, más de cincuenta excepcionales.

Aurelia Muñoz (Barcelona, 1926-2011) era mucho más que una artista textil. Su arte se convertía en una forma de conocimiento y de relación con el mundo, una episteme  donde la artesanía, lo étnico y lo folklórico se mezclaban con la mística, la espiritualidad y la vanguardia experimental: una hibridación mágica y meditada. El trabajo de Muñoz es una referencia para artistas contemporáneas que están volviendo con fuerza al arte textil, como Sonia Navarro, quien, en lugar de tejer ella misma las fibras, recicla piezas sobrantes de otros; Mercedes Azpilicueta, que reinventa los tapices; o Belén Rodríguez, que descompone, "pictórica y escultóricamente ", ingredientes culturales ligados al mundo artesanal textil, por incluir en este texto algunos nombre  de sus herederas.

Aurelia Muñoz es un referente para todas ellas y, también, para nosotras. Creyó en si misma en un momento que el arte estaba denostado. Escribe en su diario, en 1945: "Creo tener aptitudes para el dibujo y el arte y quiero dedicarme a ello de una forma profesional". Y así consiguió crear piezas bellísimas que aludían a Leonardo de Vinci, El Bosco o Gaudí. Quizá todo empezara cuando el médico le aconsejó reposo tras graves episodios de dolores estomacales y de espalda. Ella se opuso radicalmente  y entonces decidió dedicar su vida a su faceta creativa. Se matriculó en la escuela Massana para dar forma a sus sueños, y así consiguió profesionalizarse y abrir  una de las épocas más fértiles de su carrera: los años sesenta y setenta.

Muñoz integra en su obra todos los saberes. Comienza con los bordados y patchworks. A partir de 1960 estudia técnicas textiles tradicionales, indumentaria civil y litúrgica, así como iconografías medievales y renacentistas. Le impresiona profundamente el Tapiz de la Creación (siglos XI-XVIII) de la catedral de Girona; estudia el bordado histórico conocido como acu pictae (pintura de la aguja), cuya influencia podemos ver en la primera sala, donde los grandes tapices  están realizados de una forma muy pictórica, casi a pinceladas. Vinculada al movimiento Nouvelle Tapisserie en Europa y al Fiber Art en Estados Unidos, su práctica transcendió cualquier etiqueta artesanal. 

También experimentó, a finales de los ochenta, con pasta de papel, entrando de lleno en el paper art en el Cleveland Institute of Art.. De esta época tenemos ejemplos de libros volantes colgados en la sala 5 de la exposición, en los que la artista exploraba la fusión entre escultura y escritura. Mientras, investiga  fervientemente a los artistas de la época: Miró, Magritte, Gaudí, Klee. Lee a los poetas místicos como san Juan de la Cruz y santa Teresa de Ávila. Hay que decir que su arte está influido por una gran espiritualidad. Ella no era creyente, pero al final de su vida se acercó a las filosofías orientales, sobre todo a una corriente zen japonesa, nos cuenta su hija Silvia Ventosa, también comisaria de esta muestra, que en otoño viajará al MACBA en una de las pocas colaboraciones de este nivel entre ambas instituciones. Una colaboración con la celebramos el primer siglo de su nacimiento.

Esta exposición supone la consagración de una artista que, aunque triunfó en vida, permaneció durante las últimas décadas en el olvido hasta que, cabe recordarlo, el galerista José de la Mano insistió en rescatarla, persiguiendo a su hija Silvia en busca de piezas para una exposición. Muñoz obtuvo múltiples premios y reconocimientos en vida; quizá el más memorable  fue entrar en la colección del MoMA de Nueva York. Además recibió la Medalla de Plata de la Villa de París (1968), el Premio Convergence 76 de Pittsburgh, el Premio del Ministerio de Cultura a las Artes del Libro y Encuadernación (1980), el Premio Nacional de Aranjuez de Tapiz (1984) y la Creu de Sant Jordi (1993), entre otros. Desarrolló un método de trabajo minucioso y profesional. Primero dibujaba y abocetaba las piezas, lo que implicaba pensamiento; luego realizaba maquetas, hasta concretar finalmente la escultura final. Además dejó claras instrucciones para la conservación  y el montaje de sus piezas, tan delicadas, por otra parte, para cuya restauración únicamente se han sometido a una aspiración, interponiendo entre la pieza y la boca de la máquina una gasa de algodón, a excepción de la espectacular  Ondulaciones, 1974, que, por estar compuesta de hilos de nailon , permite ser sumergida en agua...

María Marco. El Cultural, 8-5-2026.

Mujer contra el sistema. "Love me tender"

En su segunda película, la francesa Anna Cazenave Cambet (1990) guioniza la novela autobiográfica homónima de Constance Debré (en castellano, Alpha Decay , 2024). Este es un aspecto que refuerza el tono del filme, sostenido en el elaborado personaje de Vicky Krieps como una abogada que deja su profesión para meterse a escritora, además de madre separada con un hijo de 8 años, que pasa de tener buen rollo con su ex y la custodia compartida a todo lo contrario en cuanto le confiesa sus relaciones con mujeres y que le va muy bien así.

Esos minutos iniciales pasan a un cambio de registro radical, que en sus periferias se da de bruces  con un sistema que juega en su contra, con una democracia demoledora y un entramado judicial  que no invita al optimismo y que lleva a Clémence a soportar una pesadilla.

No es tanto su lucha por estar con su niño aunque sea bajo la tutela de otros, circunstancia ya tratada en varios filmes y que, de elegir  solamente esa vía, sería otra más. Se trata también de remover en la llaga, de cuestionar el papel  al que la sociedad  parece predestinar a la mujer  en su rol familiar. Ella quiere ser libre, elige su opción sexual cuando los prejuicios todavía se mantienen enraizados, y decide apostar por ello sin que tal cosa implique renunciar a su condición de madre.

En favor de la autora está haber dosificado el guion sin escorar a la condescendencia, a la pancarta, a la lágrima fácil, a la lástima e incluso al exhibicionismo gratuito. Y también el haber evitado la caricatura  en el caso de los diferentes funcionarios, que se limitan a ejecutar el status quo. Más allá de la progresión dramática, reforzada con el uso de la voz en off  de la protagonista a medida que va escribiendo sus avatares y sensaciones, pesa el acertado uso de la fotografía, con una luz cómplice que utiliza la lluvia a manera de transición. Es una película que logra conmocionar, obliga a reflexionar sobre lo complejo que resulta vivir en un mundo imperfecto.

Miguel Anxo Fernández. La Voz de Galicia, lunes 25 de mayo de 2026.

Edgar Morin, filósofo clave del siglo XX

Edgar Morin. (Le Monde/ Olivier Metzger)

El filósofo y sociólogo francés Edgar Morin  falleció el viernes en París, según confirmó ayer su viuda. El pensador era el último representante de un mundo prácticamente extinto, el de los grandes intelectuales fraguados en las llamas de la primera mitad del siglo XX. Morin vivió los últimos años a caballo entre París, Montpellier y Marraquech y siguió escribiendo de forma infatigable obras que iluminaron el pensamiento sin corsés y esa manera de ver el mundo, decía él, precocinada en los grandes medios occidentales. Morin fue también el creador de la teoría del pensamiento complejo, algo que hoy muchos consideran un pleonasmo y que, en realidad remitía a esa idea sobre la imposibilidad de compartimentar el conocimiento porque todo está conectado, tal y como ocurría con su propia biografía.

Morin nació en París como Edgar Nahoum, hijo de judíos sefardíes procedente de Tesalónica (Grecia), el autor proclamaba su identidad múltiple de español, italiano  (por parte de madre), francés y europeo. Estudió Historia, Geografía y Derecho. "Hasta sus últimos días se mantuvo atento al mundo, a los demás y a las grandes cuestiones humanas que nutrieron su pensamiento", declaró su esposa, Sabah Abouessalam Morin. "Hoy el vacío que deja es inmenso. Pero su valentía, su fidelidad  a las personas y las ideas, su exigencia moral y su esperanza siguen acompañándonos", añadió.

Desde la década de 1950 desarrolló su actividad investigadora en diversas instituciones académicas francesas, especialmente en el Centro Nacional para la Investigación Científica (CNRS). A lo largo de su carrera publicó más de una veintena de libros sobre sociología, cultura, política, conocimiento y complejidad. Algunos con tanta actualidad todavía como aquel Rumor de Orléans, un ensayo sobre una falsa historia que se propagó en 1969 según la cual jóvenes mujeres desaparecían  en los probadores de ciertas tiendas de ropa, eran drogadas y luego enviadas  a redes internacionales de prostitución. Todo era infundado. Un bulo, posverdad antes de que ese prefijo tuviera sentido en nuestro mundo. Pero el caso adquirió una dimensión  especial porque las tiendas señaladas compartían una característica: estaban regentadas por comerciantes judíos. Por eso el fenómeno se considera un ejemplo clásico de bulo antisemita y teoría conspirativa.

Además de filósofo y sociólogo, Morin fue un intelectual comprometido con los grandes debates de su tiempo: el antifascismo, la crítica al estalinismo, la descolonización, la ecología, la globalización  y la defensa de un humanismo renovado. Incluso fue el inventor  de la denominación  yeyé en dos artículos aparecidos en Le Monde en julio de 1963, en los que el sociólogo analizaba el fenómeno Salut les copain, encarnado por el propio Jonhy Halliday y una generación de músicos como Claude François, Dick Rivers avec les Chats Sauvages o Françoise Hardy.

Aunque durante décadas fue una figura marginal en parte de la universidad francesa, su influencia se extendió internacionalmente, especialmente en América Latina. Hasta sus últimos años siguió publicando, interviniendo en debates públicos y defendiendo la necesidad de una "insurrección de las conciencias" basada en la fraternidad, la cooperación y la esperanza...

Daniel Verdú. París. El País, domingo, 31 de mayo de 2026.

El Palacio de Justicia de Bruselas se desnuda

Bruselas no llama la atención por su monumentalidad. Al contrario que otras capitales europeas, su encanto reside en sus calles peatonales, plazas acogedoras o monumentos  que pasan casi desapercibidos como el icónico Manneken Pis escondido en su esquina. Con este perfil, no se diría que la capital belga  acoge un edificio tan colosal  como caótico, pero esta ciudad enseña rápido a no creer en las apariencias. Bienvenidos al Palacio de Justicia de Bruselas, la Sagrada Familia de Bélgica. 

Cuando se terminó la construcción, en 1883, sus 26.000 metro cuadrados lo hicieron el edificio más grande del mundo. Ecléctico, como el alma de la ciudad postrada a sus pies, la monumentalidad  de este  mamut de piedra lo convierte en un referente alrededor del mundo. El Palacio de Justicia de Lima, la capital del Perú, es una copia reducida del inmueble bruselense. Adolfo Hitler también quedó fascinado por el Palacio, pese a que los nazis intentasen destruirlo durante la liberación de Bruselas en 1944. Además ocupa el solar del antiguo convento de las Damas de Berlaymont, que tras ser expropiadas se trasladaron al barrio de Léopold al noroeste de la ciudad. A mediados del siglo XX se volvieron a mudar y vendieron el terreno sobre el que, efectivamente, se construyó el edificio Berlaymont, sede de la Comisión Europea.

 ¿ Y por qué la comparación con la basílica barcelonesa? porque al igual que la ópera magna de Gaudí, sus interminables obras se han vuelto casi tan icónicas como el edificio. En este caso, el Palacio de Justicia lleva cubierto por andamios desde 1984, fecha en la que comenzaron unas renovaciones que todavía continúan 42 años después. Su perenne cobertura de hierro hace que se le conozca también como el palais des échafaudages (palacio de los andamios), coronando el paisaje urbano bruselense igual que las grúas el skyline de la capital catalana. 

Las obras originales pretendían restaurar la cúpula, que se eleva hasta 104 metros, así como reforzar techos y paredes, pero en estas cuatro décadas han ido surgiendo más problemas: humedades, grietas, corrosión del hierro e incluso derrumbes de cubiertas y suelos. El punto más crítico fue en 2013, cuando el desdén hacia las obras llegó a ser tal que hubo que restaurar  partes de los andamios víctimas del óxido. Fue en ese momento cuando el Colegio de Abogados de Bruselas  tomó cartas en el asunto.

Los letrados defendieron la restauración del edificio no solo por su valor arquitectónico, sino como ejemplo del abandono  que sentían en el sistema judicial belga; teniendo la sede judicial más grande del mundo, faltaba espacio. "Temis (la diosa griega de la justicia  representada con una balanza y una venda) tiene hoy en día los ojos rojos. (...) Cuando se derrumba el techo de una sala, ¿se reemplaza? No, se cierra  la puerta  y se abandona el cuarto", denunciaba en el año 2018 Jean-Pierre Buyle el letrado más involucrado en el abandono del Palacio. A partir de entonces, se retomaron los trabajos en profundidad. 

Actualmente, ya hay señales claras de un final de las obras próximo, igual que con la Sagrada Familia. El objetivo es retirar  todos los andamios exteriores para el año 2030, fecha del bicentenario de la independencia de Bélgica. El ala derecha ya está casi desnuda  y, en algún momento de este 2026, se espera que la acompañe la fachada principal. Después de casi 50 años y 600 millones de euros, Bruselas perderá sus andamios más icónicos.

José G. Santalla. Lovaina. La Voz de Galicia, lunes 4 de mayo del 2026.

¿El vaquero del futuro?

Uno de los procesos al que se somete la fabricación
 del denim. (Ximena y Sergio)

La prenda más usada del mundo es un auténtico ecodesastre. En en el libro Unraveled.The Life and Death of Garment (Portfolio, 2021) Maxine Bérat narra la vida de un par de vaqueros, desde la granja donde se cultiva el algodón, el proceso de hilado, lavado y teñido, la costura la venta en tiendas, hasta su más probable final en un vertedero. Es un viaje que recorre el mundo de América a Asia, para terminar en África.

Los pantalones, creados en 1873 como ropa de trabajo resistente para los mineros, son, según Bedat, fundadora del think tank New Standard Institute, la prenda de vestir más común en los armarios contemporáneos. Como promedio y según Fashion United, las mujeres tienen siete pares, y los hombres, seis. La producción de un vaquero requiere casi seis mil litros de agua. Esto equivale a 70 duchas  de 10 minutos  o a 937 descargas en el retrete que se consumen en el cultivo del algodón y en los procesos del teñido y lavado  que se repiten durante todo el proceso.

Varias marcas de moda llevan décadas intentando rehabilitar la reputación del denim, pero cambiar hábitos y procesos muy implantados  en la industria  ha resultado más difícil de lo que parecía. Javier Goyeneche, fundador y presidente de Ecoalf, que se ha alzado a la aventura de hacer un vaquero sostenible, dice que varias compañías le habían propuesto crear una licencia de Ecoalf, para denim. Pero lo que solían proponernos no nos compensaba. No tenemos necesidad de abrir nuevas líneas si no suponen un paso adelante en la sostenibilidad", cuenta desde sus oficinas ubicadas  en el imponente  número 1 de la Gran Vía de Madrid. Asegura Goyeneche que viendo la filosofía de su marca no encajaba en ninguno  de los proyectos de vaqueros limpios que estaban en marcha, en 2021 se propusieron  imaginar  cómo sería el vaquero según Ecoalf. Pensaron desde la materia prima  hasta los acabados y patronajes. "Si al final del proceso hubiera tenido la sensación de que no estábamos aportando algo valioso a la industria, no hubiéramos lanzado el denim", asegura. La línea que se compone de un vaquero masculino, dos femeninos y varias camisas, llega a sus tiendas  y corners del Corte Inglés en un momento en que la prenda vive un momento dorado. En 2024 el mercado global del denim tenía un valor de 86.700 millones de dólares, y se cree que para 2030 superará los 121.000 millones de dólares, beneficiándose del agotamiento del chándal y las prendas deportivas, que alcanzaron  su popularidad máxima en la pandemia.

El denim ha recuperado su condición de zeigeist y ha retornado a las alfombras rojas -Julia Roberts y Amanda Seyfried los llevaron en el festival de cine de Venecia-; Ha vuelto a renacer  en monumentales campañas publicitarias  con nombres como Lady Gaga para Gap; y apareció en la portada de septiembre  de Vogue, donde Emma Stone defendía un jean firmado por Louis Vuitton. No es mal momento para apostar por una línea de vaqueros. 

El denim de Ecoalf estaba programado para salir casi medio año después, pero el camino a la sostenibilidad, si se emprende en serio, está plagado de tropezones y malentendidos.

El primer problema llegó cuando un proveedor les coló una hebra de poliéster. Era 2023 y descubrieron una fibra T-400, sintética y con elastano en el tejido. "Paramos la producción porque queríamos hacerlo todo con fibras naturales y seguimos buscando", recuerda Sohn. En la feria Pitti Uomo les presentaron a Gigi Caccia, fundador de Pure Denim. "Fue una bendición, nos dio confianza porque había desarrollado el denim más sostenible del mundo. Le encargamos otra vez las telas ".

La meticulosidad de la firma española  alcanza los bolsillos interiores de los vaqueros y todas las etiquetas  y los hilos. Ángela Pérez Calleja, responsable de innovación  y desarrollo de materiales, examinó el mercado hasta que encontró a Coats, una compañía experta en hilos de coser. "Había desarrollado un proceso  de circularidad  de los hilos, y buscábamos uno de algodón  resistente  para usarlo en tejido denim y que garantizara la durabilidad de la prenda" explica...

Karelia Vázquez. El País Semanal, 17 de abril de 2026.

Quintaesencia del estilo Modiano. "La bailarina"

Patrick Modiano (Boulogne-Billancourt, 1945) es el gran cartógrafo de la literatura contemporánea. Tras los caminos de Proust y sus geniales itinerarios, muchos autores han dejado constancia de sus huellas en caminatas y callejeos: Baudelaire, el poeta de la deambulación; Julien Gracq, que además era geógrafo; G ; Georges Perec, planificador de vagabundeos; Virginia Wolf o Jean Rhys, paseantes por las calles de Londres; Borges, en sus laberintos; Juan Marsé, por los barrios obreros de Barcelona; Vila-Matas con sus mapas emocionales; y, por supuesto. Paul Auster, el enorme topógrafo de Nueva York. Hay muchos más escritores viandantes, pero entre todos ellos Patrick Modiano, el fascinante transeúnte francés, el más empecinado el que nos pierde  por sus caminos y avenidas azarosas, emanaciones  de una memoria fragmentada. En cada nombre de cada calle que rememora hay un mundo perdido.

Después de recibir el Premio Nobel de Literatura en 2014, por "el arte de la memoria que evoca el más inasible  de los destinos humanos y descubre el mundo de la vida en la ocupación", según la Academia Sueca, Modiano no ha alterado su ritmo de publicar un libro cada dos años. La bailarina se presenta ahora en España. En solo 108 páginas estamos ante la quintaesencia del estilo Modiano.

El narrador monologante de La bailarina trata de reconstruir el tiempo entre brumas en el que conoció a "la bailarina" y a su pequeño hijo Pierre. Las imágenes borrosas y fragmentadas, las falsas pistas, las elipsis, las gentes que ocultan su nombre o lo cambian, forman parte de la técnica modianesca de reconstrucción de épocas que se superponen y alteran la cronología. "Así que desde hacía unos días, me volvían a retazos  las imágenes de una etapa muy remota de mi vida", declara el narrador a vueltas con una historia de su pasado. Para él era inevitable que un día u otro esas imágenes sepultadas en hielo volviera a aparecer, "igual que suben los ahogados a la superficie del Sena". El azar hace que se cruce con un conocido de aquellos días, Serge Verzini, dueño de un restaurante de entonces, La boîte à Magie. El hombre niega ser Verzini, rehúsa haber conocido a la bailarina y su hijito. El narrador acaba desenmascarando su identidad. Fue Verzini, a quien el protagonista alquilaba un cuarto en su juventud, quien le presentó a la bailarina. 

La amistad con la etérea mujer y su niño llevará al narrador, compositor de canciones  e incipiente escritor, a acompañarla durante los ensayos en el estudio del maestro Kniaseff, y, muchas veces, a cuidar al niño Pierre cuando su madre salía por las noches tras las representaciones. En la conciencia brumosa del joven aparecen otros personajes: la mecenas vienesa Pola Hubersen, que montaba fiestas y relajaba a la bailarina en su cama. La pareja de danza y amante intermitente de la bailarina Georges Starasss. El  misterioso editor Girodias o la doctora Madeleine Péraud, que inicia ala bailarina en la mística. El narrador también nos cuenta una historia de la infancia  de la bailarina, aunque ella también "daba detalles a trompicones, desordenados, como si tuviese lagunas de memoria". Un pasaje de la infancia y de la adolescencia de la mujer, cuando vivía en Saint -Leu-la-Forêt. En los viajes que a los catorce años hacía entre dicha población y la estación del Norte, se cruzaba con los hermanos Barise. Uno de ellos, André Barise, la acosaba y la oprimía con su peso contra la puerta del vagón. El narrador se dio cuenta de que en el periodo de su amistad con ella, la bailarina  tenía la sensación de que veía al fantasma de ese hombre, acechándola por las calles. En el París del presente que el narrador no reconoce, con batallones de turistas arrastrando maletas de ruedas, los recuerdos de la bailarina  surgen "como nos llega la luz de una estrella muerta hace mil años". La historia de la bailarina es intricada y difusa, pero a través de insinuaciones, de puertas entreabiertas, de pasillos desdibujados, de inquietantes personajes, acabamos dejándonos llevar de puntillas entre fantasmas de la memoria.

En las novelas de Modiano permanecen siempre los enigmas de la ausencia y la búsqueda de seres desaparecidos en un pasado semienterrado. La paternidad y el vacío del padre son también motivos recurrentes. Las identidades confusas se remontan quizá a la propia biografía de Modiano. Su padre Albert Modiano, con quien no se relacionó en muchos años, era hijo de un toscano, judío de Alejandría, nacido en Salónica, instalado como anticuario en París en 1903. La madre del escritor, Louisa Colpeyn, fue una actriz belga de lengua neerlandesa, que a causa de sus giras y viajes dejaba a sus hijos en manos  de parientes y amigos. La atmósfera particular de esa infancia, con la muerte del hermano más pequeño, Rudy, de leucemia a la edad de diez años, explica la nostalgia de Modiano por esa etapa, perdida demasiado pronto. Libro de familia (Anagrama) y Exculpación (Calpe, Narrativa) reconstruyen la infancia familiar de los hermanos Modiano...

Lourdes Ventura. El Cultural, 29-5-2026.

Adiós a Marjane Satrapi, La empatía por bandera

"El hombre por sí solo no sobrevive en la naturaleza. Necesita juntarse con otros y crear sociedades. Y la condición sine qua non para lograrlo es la empatía", decretó Marjane al recibir el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades en 2024. El día de ayer amaneció con la noticia de su fallecimiento con apenas 56 años. Ha muerto "de tristeza", según sus allegados. Hace poco más de un año perdió a su marido, el productor, actor y guionista sueco Mattias Ripa, un golpe del que nunca se recuperó. La socióloga Azadeh Kianm, amiga suya, decía que había dejado de luchar y quería irse. Desde la pérdida del amor de su vida "se estaba dejando morir".

Para los devotos del cómic, la literatura y el arte, queda su legado, reflejado en sus novelas gráficas y sus películas. Su voz crítica y comprometida con la humanidad guía su trayectoria, invitando al lector a reflexionar sobre el prójimo, haciendo hincapié en la cercanía de aquel que también lo es aunque resida en un país a miles de kilómetros. 

Marjane Satrapi nació en Irán en el seno de una familia progresista. Cuando tenía 10 años estalló la revolución islámica. Vivió bajo el régimen de los ayatolas hasta los 14 años, momento en que sus padres decidieron enviarla a Viena para que recibiera una educación laica, después de que en Irán se suprimieran los colegios bilingües. Tuvo una adolescencia complicada, marcada por el desarraigo y la soledad. Allí residió hasta que a los 18 años retornó a Teherán para estudiar Bellas Artes. Sin embargo, la rigidez social y cultural del régimen hicieron que Satrapi no permaneciera mucho tiempo en su tierra. En 1993 regresó a Europa, esta vez a Francia para estudiar en la École Supérieure des Arts Décoratifs de Estrasburgo. Posteriormente fijó su residencia en París, y obtuvo la nacionalidad gala en el 2006.  

Su carrera como historietista comenzó tras adentrarse en el entorno del colectivo L'Association, donde la animaron a trasladar sus recuerdos y vivencias a la tinta. De esa iniciativa nació Persépolis , una de las novelas gráficas más leídas de la historia. Se publicó al principio en cuatro tomos, entre los años 2000 y 2003, que se unieron después en un único libro.

Persépolis fue adaptada al cine en el 2007. Satrapi dirigió junto a Vincent Paronnaud el filme, que mereció el premio del jurado del Festival de Cannes.

Firme en sus creencias y valores, Marjane rechazó hace un año la Legión de Honor francesa al percibir una "actitud hipócrita de Francia hacia Irán" frente a la nueva ola de represión que estaba viviendo su país natal. Satrapi comunicó su rechazo a la máxima condecoración francesa en sus redes sociales, alegando que "la revolución de las mujeres no puede limitarse  a fotos con víctimas o celebridades en conmemoraciones por la muerte de Masha Amini", la joven asesinada en el 2022 por no llevar el velo islámico según el código reglamentario del régimen iraní.

Marjane Satrapi sabía que no era fácil ser mujer en Irán, y menos defendiendo los derechos civiles y criticando al  régimen como hacía ella. Sin embargo nunca se doblegó. Al contrario, escogió convertir su obra en una forma de denunciar la opresión y de defender la libertad de todos los pueblos.

María Vila Campo. La Voz de Galicia, viernes 5 de junio de 2026.

El artista frugal

Tadashi Kawamata. (Foto: Archivos Mennour)

El estudio en la periferia de Paris del artista japonés Tadashi Kawamata  (Hokkaido, 72 años), parece un taller de carpintería. Sorprendentemente ágil y ligero para su edad, Kawamata se mueve, sin soltar su cigarrillo, entre los tablones y las virutas de madera que ha recogido con la ayuda de su asistente en el barrio cercano. Está especialmente satisfecho  con las cajas de frutas  rescatadas de un supermercado. "Una madera flexible, estupenda", constata. El artista, un obseso del reciclaje, viaja por todo el mundo, de Dubái a Tokio, pasando por París, con todas sus herramientas, y mantiene la  mirada atenta por lo que pueda encontrarse en el camino. Como no tiene carnet de conducir va con un asistente que le acompaña allá donde estén esos restos  que le servirán  de materia prima para su obra, y que deben estar en el entorno del lugar  donde construirá sus instalaciones.

Una vez decidido el sitio y negociadas las condiciones con vecinos y autoridades, Kawamata seduce y recluta a otros artistas  y discípulos para recoger madera que cortará en finas tiras que conforman las estructuras temporales  que va plantando por todo el mundo. No las deja mucho tiempo en ningún sitio. Que sean efímeras es otra de sus condiciones no negociables. "Diez días, un mes, un año..., todo es temporal, tu vida también, todos nos estamos muriendo cada día", dice. Sus nidos y refugios se han visto en lo más alto de la columna trajana de la Place de Vendôme en París y en el palacio de Brera en Milán . En el patio interior del edificio  de la galería que lo representa, Mennour, construyó una especie de falso techo que provocó la respuesta airada de algún vecino. En 1991 visitó por primera vez las favelas  de Río de Janeiro y quedó impactado  con la rapidez con que los vecinos volvieron a levantar  sus casas tras una demolición  policial. "Fue un ciclo natural..., destruir, tirar todo y reconstruir". Al año siguiente levantó su primera favela a la orilla del río  en Houston, una veintena de chozas de contrachapado que contrastaba  con el espectacular skyline de la ciudad. Los críticos de arte apuntaron que la instalación era "terrorismo visual" pues perturbaba "la homogeneidad  del paisaje"...

"Nido en Liaigre" obra del artista en Paris.

El artista vive y trabaja en la actualidad entre Tokio y París y sigue interesado en la relación  entre arte, arquitectura, diseño y vida cotidiana. En sus obras solo usa materiales reciclados recogidos en comunidad para incidir en la idea de que el arte debe ser un proyecto colectivo... "Podría hacer estructuras de acero o de piedra, pero entonces nadie se ocuparía de ellas, la madera no es un material  muy resistente  y cada cinco años  hay que hacer  reparaciones y reajustes, eso vuelve a unir a la gente,  que es lo que me interesa. Todo el mundo puede clavar, cortar, intervenir... y es barata y accesible".

Kawamata acaba de volver de la región francesa de Champagne, donde este mes instalará  su último proyecto en el número 4 de la calle de Crayères, la dirección emblemática de Ruinart, un champán  creado en 1729. La colaboración entre el artista y la maison, forma parte del proyecto Conversations with Nature y consiste en tres instalaciones -Three Hut, Nest y Observatory-, cuyos bocetos preparatorios se pudieron ver en la edición de Arco en marzo en Madrid .

Trabaja  y produce en abundancia. Muchos proyectos no pasan del nivel de maqueta y quedan almacenados en su nave archivo. Se dice que esas maquetas ocultas  son a veces más hermosas  que la obra definitiva. Él cree que tiene mucho trabajo en Europa porque "no es muy caro". "Simplemente me dan un billete de avión, me consiguen un apartamento y un asistente y yo me busco la vida. Soy un artista de presupuesto limitado".

Karelia Vázquez. El País Semanal, 9 de febrero de 2026.